http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=782 Numéros en texte intégral fr lun., 04 déc. 2023 13:47:39 +0100 ven., 09 févr. 2024 14:09:46 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=782 0 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=785 lun., 04 déc. 2023 13:53:43 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=785 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=786 lun., 11 déc. 2023 09:48:43 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=786 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=789 La présente étude s’intéresse aux relations entretenues entre les artistes contemporains et les marques, elle s’attache à souligner les liens entre les deux, en particulier sous le prisme de la sphère artistique et de son rôle dans les démarches de création collaborative. De nombreuses recherches ont été menées sous l’égide des marques, toutefois très peu l’ont été du point de vue des artistes contemporains. À travers l’identification d’une portion d’artistes ayant développé des relations avec des marques, nous proposons d’apporter un regard sur la proportion d’artistes ayant recours aux collaborations. Nous présentons un raisonnement de conception d’un processus de collaboration qui apporte un éclairage sur les apports de chacune des parties prenantes. This study explores the relationship between contemporary artists and brands, highlighting the connections between the two, particularly through the lens of the artistic sphere and its role in collaborative creative processes. Numerous studies have been carried out under the aegis of brands, but only a very small proportion of them from the perspective of contemporary artists. By identifying the small share of artists who have developed relationships with brands, we propose to provide an insight into the proportion of artists who engage in collaboration. We present a design reasoning of a collaborative process that sheds light on the contributions of each stakeholder. jeu., 14 déc. 2023 15:22:20 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=789 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=799 Nous interrogeons les coopérations devenues courantes entre les marques et les artistes via les pratiques de design à travers deux cas emblématiques. Premièrement, le projet Masters Collection, une collaboration entre Louis Vuitton, Jeff Koons et le Louvre. Deuxièmement, le projet Air Force 1, une collaboration entre Louis Vuitton, Virgil Abloh, et Nike. Afin d’analyser les intérêts et les limites de ces deux projets de coopération, nous avons collecté et analysé des données sur le web entre les mois de mai et août 2022. Après avoir présenté le contexte historique de l’alliance entre l’art et le design des marques, nous modéliserons le champ de tensions entre les pratiques artistiques et leurs enjeux industriels contemporains. Sur la base de cette analyse, nous soulignerons la banalisation de la convergence entre les pratiques artistiques et de communication-marketing à travers trois questions jalonnant notre recherche : quels sont les liens entre les stratégies des artistes et celles des marques ? Quelles sont les caractéristiques et les logiques socio-économiques de leur collaboration ? Quelle est la valeur créée (ou non) par leur collaboration et pour quel bénéficiaire ? À travers ces questions, nous analyserons le rôle de l’artiste. Grâce au travail caractéristique du design, s’opère une médiation ponctuelle entre les univers symboliques des différentes parties prenantes. L’opération a pour fonction de faire ressentir et construire un dialogue entre les univers symboliques des marques concernées. Ce dialogue intègre non seulement des caractéristiques esthétiques, mais aussi des contraintes (temporelles, budgétaires et matérielles) liées au projet. Nous analyserons enfin le contexte socioculturel de la collaboration. En collaborant avec des marques, l’artiste prend la fonction de designer. L’analyse fine de ces projets nous permet d’identifier cinq tendances clés pour leur avenir : 1. Une diversification des stratégies de collaboration entre les pratiques artistiques et celles des marques. 2. Une difficulté à dissocier leur positionnement. 3. Une augmentation des fréquences de collaboration. 4. Des expérimentations plus extravagantes pour se démarquer. 5. Une orientation vers des collaborations politiques. Collaborations between artists and brands have become common place. We investigate their cooperation through two emblematic cases. First, the Masters Collection project, a collaboration between Louis Vuitton, Jeff Koons, and the Louvre, and second, the Air Force 1 project, a collaboration between Louis Vuitton, Virgil Abloh, and Nike. To analyze the shared interests and inherent limits of these projects, we analyzed online data collected between May and August 2022. After presenting the historical context of the alliance between art and brand design, we indicate the field of tensions between artistic practices and contemporary industrial issues. Based on this analysis, we highlight the trivialization of the convergence between art and marketing-communication practices via our research questions: What are the links between artists’ and brands’ strategies? What are the characteristics and socio-economic logics of their collaboration? What value is created (or not) by their collaboration and for whom? We analyze the role of the artist who, through a work that ressembles design practices, operates a punctual mediation between the symbolic universes of the different stakeholders. This dialogue integrates not only aesthetic characteristics, but also project constraints (temporal, budgetary, and material constraints). We indicate, that by collaborating with brands, the artist takes on the function of a designer. A detailed analysis of these collaborations allows us to identify five key trends: 1. A diversification of collaboration strategies between artistic and branding practices. 2. A difficulty of dissociating their positioning. 3. An increase in the frequency of collaboration. 4. Experimentations with more extravagant collaborations. 5. An orientation towards political collaborations. mer., 20 déc. 2023 10:22:56 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=799 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=810 Cette recherche s’intéresse au rapprochement entre le monde commercial des marques et celui de l’art, deux mondes a priori distincts. À cet égard, essentiellement depuis le xxe siècle, la sphère artistique tend à être de plus en plus enchevêtrée avec celle des marques, ces dernières pouvant être exploitées pour des produits, des services, des enseignes de distribution, des organisations, des zones géographiques, des individus… L’essor de cet enchevêtrement peut s’expliquer par la propagation du postmodernisme dans les sociétés occidentales depuis la deuxième moitié du xxe siècle, ses dimensions fragmentation, acceptation de la différence, juxtaposition paradoxale des oppositions et hyperréalité jouant un rôle particulièrement important. Cet enchevêtrement occasionne deux types de relations. En effet, certaines peuvent être instaurées par des marques, et en général, elles donnent lieu à des collaborations, alors que d’autres peuvent être initiées par des artistes sans sollicitation de la marque. Les premières relations ayant suscité des recherches nombreuses, cet article va se concentrer sur les secondes qui sont moins souvent appréhendées. Il propose plus précisément de répondre à la question suivante : quelle(s) stratégie(s) une marque peut-elle adopter face à son appropriation par un artiste ? Pour répondre à cette question, cette recherche débutera par une revue de littérature consacrée à l’art destinée non seulement à expliciter l’appropriation dans le domaine de l’art mais aussi à exposer les mouvements artistiques les plus susceptibles de procéder à une telle appropriation (pop art, néo pop art, hyperréalisme, street art et art urbain). La mise en exergue des mouvements s’avère, en effet, être un préalable à la mise en place des stratégies qui seront détaillées dans la seconde partie. La conclusion suggèrera quelques apports, limites et voies de recherche. This research focuses on the rapprochement between commercial world of brands and that of art, two worlds that are a priori distinct. Indeed, essentially since the 20th century, the artistic sphere tends to be more and more intertwined with brands that can be used for products, services, retail chains, organizations, geographical areas, individuals... The rise of this intertwining can be explained by the spread of postmodernism in Western societies since the second half of the 20th century, its dimensions of fragmentation, acceptance of difference, paradoxical juxtaposition of opposites and hyperreality playing a particularly important role. This intertwining causes two types of relations. Indeed, some can be initiated by brands, and in general, they give rise to collaborations, while others can be instigated by artists without having solicited the brand. The first relationships having generated to numerous researches, this article will focus on the second ones which are less often studied. Specifically, it proposes to answer the following question: what strategy(ies) can a brand adopt when faced with its appropriation by artists? To answer this question, this research will begin with a literature review dedicated to art intended not only to explain appropriation in the art field, but also to present the artistic movements most likely to realize such appropriation (pop Art, neo-pop Art, hyperrealism, street art and urban art). The highlighting of movements turns out, indeed, to be a prerequisite for the implementation of the strategies which will be detailed in the second part. In conclusion, some contributions, limitations and future research directions will be outlined. jeu., 21 déc. 2023 16:10:03 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=810 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=822 Depuis le début des années 2000, l’industrie musicale connaît une récession liée à la numérisation et au piratage sur Internet. Cette crise a un impact majeur sur le business modèle des artistes. Ceux-ci tirent désormais leurs revenus essentiellement des concerts et des produits dérivés. Dans cet article, nous nous intéressons à une autre stratégie, à savoir l’extension de marque par laquelle des artistes profitent de leur notoriété pour lancer de nouveaux produits. Nous développons un modèle du processus psychologique sous-jacent que nous testons grâce à une enquête concernant une extension de marque potentielle du groupe Coldplay. Since the early 2000s, the music industry has been in a recession related to digitization and Internet piracy. This crisis has a major impact on the business model of artists. They now derive their income mainly from concerts and merchandising. In this article, we are interested in another strategy, namely brand extension, whereby artists take advantage of their popularity to launch new products. We develop a model of the underlying psychological process that we test through an investigation of a potential brand extension of the Coldplay band. ven., 22 déc. 2023 15:10:47 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=822 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=830 Le musée d’art latino-américain de Buenos Aires (MALBA) pourrait être considéré comme un cas paradigmatique de ce que Robert Fleck (2014) a appelé « les musées du xxie siècle » : un nouveau type de musée fondé sur l’image de marque. Ce concept est en phase avec les débats qui, à partir des années 1980, ont proposé la fin du musée conçu comme un lieu élitiste de préservation du canon, pour laisser place à une institution muséale conçue comme un média de masse qui adhère aux logiques du spectacle. C’est ce que postule Andreas Huyssen (1994) lorsqu’il analyse le phénomène de muséalisation observable dans l’augmentation des inaugurations de musées et l’intérêt croissant du public pour l’expérience muséale. Cet article propose d’analyser le musée latino-américain de Buenos Aires (MALBA), comme un cas paradigmatique dans lequel deux catégories conceptuelles coexistent puisqu’il s’agit d’un musée du xxie siècle conçu comme un média de communication de masse. De ses propositions d’expositions à ses campagnes de diffusion, le musée s’approprie la logique du spectacle, constituant un star-system de l’art latino-américain, variable selon les objectifs du branding. Nous nous intéressons non seulement à la manière dont le MALBA se construit en tant que marque, mais aussi aux mécanismes discursifs par lesquels certains artistes latino-américains et certaines idées de « latino-américanité » servent le positionnement institutionnel. Ces stratégies de marque sont basées sur le modèle du MoMA de New York. Cet article présente donc : a) une étude des stratégies de communication institutionnelle des deux musées ; b) une analyse de quatre organisations de la collection du musée (de 2010 à 2022) pour observer les différentes manières de présenter l’histoire de l’art latino-américain et la latino-américanité ; et c) une analyse de la construction de la marque MALBA à partir des artistes qui composent sa collection. The Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) illustrates what Robert Fleck (2014) calls the "21st Century Museum": a new type of museum built on branding. This concept is aligned with the debates that, since the 1980s, have proposed the end of the museum as an elitist place for the conservation of the canon, to make way for a museum institution conceived as a mass medium that adheres to the logic of the spectacle, as Andreas Huyssen (1994) postulates. The author describes the phenomenon of musealisation, which is evident in the increasing number of museum openings and the public’s growing interest in the museum experience. This article studies the MALBA as a paradigmatic case in which two conceptual categories coexist: a 21st-century museum conceived as a mass media. From its exhibition proposals to its communication strategies, the museum appropriates the logic of the spectacle, constituting a "star system" of Latin American art, variable according to marketing objectives. We are interested in how the institution constructs itself as a brand, and in the discursive mechanisms through which certain Latin American artists and ideas of "Latin Americanness" serve institutional positioning. We also observe how MALBA adopts some of the positioning strategies of the Museum of Modern Art (MoMA). This article therefore presents a) a study of the institutional communication strategies of the two museums; b) an analysis of four curatorial discourses of the museum’s collection (from 2010 to 2022) in order to observe the different ways in which MALBA presents Latin American art history and Latin Americanness; and c) an analysis of the construction of the MALBA brand based on the artists that make up its collection. ven., 05 janv. 2024 14:34:38 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=830 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=846 During the Cold War, World’s Fairs were the most visible and spectacular part of the ideological confrontation between the U.S. and the Soviet Union. The paper examines Andy Warhol’s artwork through the prism of the 1967 World’s Fair. Expo 67 was Warhol’s very first appearance on the international cultural scene under the auspices of the U.S. government, which back then was rather skeptical about exhibiting American Pop Art in the name of the American nation and preferred Abstract Expressionism instead. The paper explains why the U.S. government chose to display Warhol’s paintings as part of its official exhibition program in Montreal and what benefits this synergy had for both the U.S. nation-branding strategy and the development of the artist’s personal branding strategy. Pendant la guerre froide, les expositions universelles constituèrent la partie la plus remarquable et la plus spectaculaire de la confrontation idéologique entre les États-Unis et l’Union soviétique. Cet article étudie l’œuvre d’Andy Warhol à travers le prisme de l’exposition universelle de 1967. Cette exposition fut la toute première apparition de Warhol sur la scène culturelle internationale sous le patronage du gouvernement américain qui, à l’époque, se montrait plutôt sceptique à l’idée d’exposer le pop art américain au nom de la nation américaine et lui préférait l’expressionnisme abstrait. Notre article explique pourquoi le gouvernement américain a choisi d’exposer les tableaux de Warhol au sein de son pavillon national à Montréal et quels ont été les avantages de cette synergie pour la stratégie nationale de marque des États-Unis et le développement de la marque personnelle de l’artiste. ven., 05 janv. 2024 16:35:38 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=846 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=865 Espace hautement symbolique, l’atelier est communément perçu comme l’antre de l’artiste. Définissant historiquement le lieu d’un travail manuel, l’atelier détermine l’espace dans lequel sont produites les œuvres, et par extension il reflète l’acte de création. Néanmoins, l’atelier, qu’il soit collectif ou propre à un artiste (qu’il travaille seul ou à l’aide d’assistants), réunit à la fois l’intime et le public. S’il est un espace dans lequel l’artiste expérimente, vit, crée et entrepose, revêtant ainsi parfois l’image d’un repaire secret, il n’en est pas moins un terrain de partage, d’exposition et de discussion.En se jouant de cette dichotomie, dès le milieu du xxe siècle, les artistes ont cherché à s’en éloigner, ou au contraire à le dévoiler. Si Daniel Buren remet en cause le statut de l’atelier suite au déplacement de l’atelier de Brancusi, en 1971, en soulignant que « toute mise en question du système de l’art passera donc inéluctablement par une remise en question de l’atelier comme un lieu unique où le travail se fait, tout comme du musée comme lieu unique où le travail se voit », d’autres artistes – Andy Warhol via sa Factory ou la boutique-atelier de Robert Filliou – questionnent l’atelier en le mettant au-devant de la scène. Le lieu de production de l’artiste semble être, d’ailleurs, un support constitutif de l’œuvre à part entière et ne serait donc pas uniquement le lieu de création ou son simple cadre d’exécution. Partant de ce constat, l’environnement dans lequel l’artiste évolue paraît influer sur les œuvres et tend à (dé)limiter leur matérialité ou leur constitution physique. L’atelier définit également, par extension, l’acte de l’artiste et son principe d’exécution. Ainsi, cet espace multiple, à la fois clos et dévoilé, sensible et partagé, s’infiltre dans le langage artistique et suscite l’intérêt des publics à pénétrer davantage dans les coulisses des œuvres. Pourrions-nous y cerner le processus de création d’une marque, à travers l’empreinte de l’artiste ? Dans la logique de l’univers de la marque vue comme signe, l’exposition d’atelier engloberait ainsi deux cas de figure – atelier d’artiste contemporain et vivant, et atelier d’artiste décédé, posthume. Sur la base des entretiens menés avec les artistes dans leurs ateliers, et les commissaires d’exposition préoccupés par l’exposition de l’atelier d’artiste, nous tâcherons d’observer comment dans cette configuration, la marque/signe devient un garant de la protection et en même temps un élément dénaturant. Highly symbolic as it is, the place of artistic practice is generally seen as the artist’s lair. It is a workshop, which has traditionally been defined as a place for manual work and, in this instance, refers to the place where the artist produces his or her work. By extension, it reflects the act of creation. Named studio, whether it be shared or for the sole use of an individual artist (whether he or she works alone or with assistants), nevertheless brings together the intimate and the public. Although it is a space in which the artist experiments, lives, creates, and stores his or her work, so that it sometimes has the appearance of a private hide-out, it is still a place for sharing, exhibiting and discussion. Playing on this dichotomy, artists have since the middle of the 20th century sought to distance themselves from the studio, or, on the contrary, to open it up. Daniel Buren questioned the status of the studio after Brancusi changed studios in 1971, arguing that "any questioning of the system of art will inevitably pass through a re-questioning of the studio as a unique place where work is done, just like the museum as a unique place where work is seen". Other artists, however, like Andy Warhol with his Factory and Robert Filiou with his shop studio, raise questions about the studio by bringing it to the front of the stage. The artist’s place of production seems, moreover, to be a component of the artist’s work, rather than simply the place where it is created or a framework for its execution. From this point of view, the environment in which the artist works seems to influence his or her work and to limit its materiality or physical constitution. In this way, this multifaceted space, which is at once closed and open, has infiltrated its way into artistic language and has aroused the interest of the public as it looks to delve more deeply into the process of artistic creation. Might we spot here the process by which an artist creates a “brand” through the personal touch he gives to his workplace? According to the logic of the universe in which the brand is seen as a sign, exhibiting the artist’s workplace covers two possible eventualities. It is either the workshop of a living, contemporary artist or the posthumous workplace of an artist who is no longer alive. Based on the interviews we have carried out with artists in their studios and curators, the present article observes how, in this configuration, the brand/sign serves as a protection for the artist’s work and, at the same time, as an element which distorts it. mar., 09 janv. 2024 16:19:09 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=865 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=872 mer., 10 janv. 2024 14:00:42 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=872 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=873 mer., 10 janv. 2024 15:15:05 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=873 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=876 ven., 09 févr. 2024 14:14:00 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=876