http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=795 Entrées d’index fr 0 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=865 Espace hautement symbolique, l’atelier est communément perçu comme l’antre de l’artiste. Définissant historiquement le lieu d’un travail manuel, l’atelier détermine l’espace dans lequel sont produites les œuvres, et par extension il reflète l’acte de création. Néanmoins, l’atelier, qu’il soit collectif ou propre à un artiste (qu’il travaille seul ou à l’aide d’assistants), réunit à la fois l’intime et le public. S’il est un espace dans lequel l’artiste expérimente, vit, crée et entrepose, revêtant ainsi parfois l’image d’un repaire secret, il n’en est pas moins un terrain de partage, d’exposition et de discussion.En se jouant de cette dichotomie, dès le milieu du xxe siècle, les artistes ont cherché à s’en éloigner, ou au contraire à le dévoiler. Si Daniel Buren remet en cause le statut de l’atelier suite au déplacement de l’atelier de Brancusi, en 1971, en soulignant que « toute mise en question du système de l’art passera donc inéluctablement par une remise en question de l’atelier comme un lieu unique où le travail se fait, tout comme du musée comme lieu unique où le travail se voit », d’autres artistes – Andy Warhol via sa Factory ou la boutique-atelier de Robert Filliou – questionnent l’atelier en le mettant au-devant de la scène. Le lieu de production de l’artiste semble être, d’ailleurs, un support constitutif de l’œuvre à part entière et ne serait donc pas uniquement le lieu de création ou son simple cadre d’exécution. Partant de ce constat, l’environnement dans lequel l’artiste évolue paraît influer sur les œuvres et tend à (dé)limiter leur matérialité ou leur constitution physique. L’atelier définit également, par extension, l’acte de l’artiste et son principe d’exécution. Ainsi, cet espace multiple, à la fois clos et dévoilé, sensible et partagé, s’infiltre dans le langage artistique et suscite l’intérêt des publics à pénétrer davantage dans les coulisses des œuvres. Pourrions-nous y cerner le processus de création d’une marque, à travers l’empreinte de l’artiste ? Dans la logique de l’univers de la marque vue comme signe, l’exposition d’atelier engloberait ainsi deux cas de figure – atelier d’artiste contemporain et vivant, et atelier d’artiste décédé, posthume. Sur la base des entretiens menés avec les artistes dans leurs ateliers, et les commissaires d’exposition préoccupés par l’exposition de l’atelier d’artiste, nous tâcherons d’observer comment dans cette configuration, la marque/signe devient un garant de la protection et en même temps un élément dénaturant. Highly symbolic as it is, the place of artistic practice is generally seen as the artist’s lair. It is a workshop, which has traditionally been defined as a place for manual work and, in this instance, refers to the place where the artist produces his or her work. By extension, it reflects the act of creation. Named studio, whether it be shared or for the sole use of an individual artist (whether he or she works alone or with assistants), nevertheless brings together the intimate and the public. Although it is a space in which the artist experiments, lives, creates, and stores his or her work, so that it sometimes has the appearance of a private hide-out, it is still a place for sharing, exhibiting and discussion. Playing on this dichotomy, artists have since the middle of the 20th century sought to distance themselves from the studio, or, on the contrary, to open it up. Daniel Buren questioned the status of the studio after Brancusi changed studios in 1971, arguing that "any questioning of the system of art will inevitably pass through a re-questioning of the studio as a unique place where work is done, just like the museum as a unique place where work is seen". Other artists, however, like Andy Warhol with his Factory and Robert Filiou with his shop studio, raise questions about the studio by bringing it to the front of the stage. The artist’s place of production seems, moreover, to be a component of the artist’s work, rather than simply the place where it is created or a framework for its execution. From this point of view, the environment in which the artist works seems to influence his or her work and to limit its materiality or physical constitution. In this way, this multifaceted space, which is at once closed and open, has infiltrated its way into artistic language and has aroused the interest of the public as it looks to delve more deeply into the process of artistic creation. Might we spot here the process by which an artist creates a “brand” through the personal touch he gives to his workplace? According to the logic of the universe in which the brand is seen as a sign, exhibiting the artist’s workplace covers two possible eventualities. It is either the workshop of a living, contemporary artist or the posthumous workplace of an artist who is no longer alive. Based on the interviews we have carried out with artists in their studios and curators, the present article observes how, in this configuration, the brand/sign serves as a protection for the artist’s work and, at the same time, as an element which distorts it. mar., 09 janv. 2024 16:19:09 +0100 mer., 27 mars 2024 17:18:32 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=865 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=810 Cette recherche s’intéresse au rapprochement entre le monde commercial des marques et celui de l’art, deux mondes a priori distincts. À cet égard, essentiellement depuis le xxe siècle, la sphère artistique tend à être de plus en plus enchevêtrée avec celle des marques, ces dernières pouvant être exploitées pour des produits, des services, des enseignes de distribution, des organisations, des zones géographiques, des individus… L’essor de cet enchevêtrement peut s’expliquer par la propagation du postmodernisme dans les sociétés occidentales depuis la deuxième moitié du xxe siècle, ses dimensions fragmentation, acceptation de la différence, juxtaposition paradoxale des oppositions et hyperréalité jouant un rôle particulièrement important. Cet enchevêtrement occasionne deux types de relations. En effet, certaines peuvent être instaurées par des marques, et en général, elles donnent lieu à des collaborations, alors que d’autres peuvent être initiées par des artistes sans sollicitation de la marque. Les premières relations ayant suscité des recherches nombreuses, cet article va se concentrer sur les secondes qui sont moins souvent appréhendées. Il propose plus précisément de répondre à la question suivante : quelle(s) stratégie(s) une marque peut-elle adopter face à son appropriation par un artiste ? Pour répondre à cette question, cette recherche débutera par une revue de littérature consacrée à l’art destinée non seulement à expliciter l’appropriation dans le domaine de l’art mais aussi à exposer les mouvements artistiques les plus susceptibles de procéder à une telle appropriation (pop art, néo pop art, hyperréalisme, street art et art urbain). La mise en exergue des mouvements s’avère, en effet, être un préalable à la mise en place des stratégies qui seront détaillées dans la seconde partie. La conclusion suggèrera quelques apports, limites et voies de recherche. This research focuses on the rapprochement between commercial world of brands and that of art, two worlds that are a priori distinct. Indeed, essentially since the 20th century, the artistic sphere tends to be more and more intertwined with brands that can be used for products, services, retail chains, organizations, geographical areas, individuals... The rise of this intertwining can be explained by the spread of postmodernism in Western societies since the second half of the 20th century, its dimensions of fragmentation, acceptance of difference, paradoxical juxtaposition of opposites and hyperreality playing a particularly important role. This intertwining causes two types of relations. Indeed, some can be initiated by brands, and in general, they give rise to collaborations, while others can be instigated by artists without having solicited the brand. The first relationships having generated to numerous researches, this article will focus on the second ones which are less often studied. Specifically, it proposes to answer the following question: what strategy(ies) can a brand adopt when faced with its appropriation by artists? To answer this question, this research will begin with a literature review dedicated to art intended not only to explain appropriation in the art field, but also to present the artistic movements most likely to realize such appropriation (pop Art, neo-pop Art, hyperrealism, street art and urban art). The highlighting of movements turns out, indeed, to be a prerequisite for the implementation of the strategies which will be detailed in the second part. In conclusion, some contributions, limitations and future research directions will be outlined. jeu., 21 déc. 2023 16:10:03 +0100 mer., 27 mars 2024 17:15:10 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=810 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=789 La présente étude s’intéresse aux relations entretenues entre les artistes contemporains et les marques, elle s’attache à souligner les liens entre les deux, en particulier sous le prisme de la sphère artistique et de son rôle dans les démarches de création collaborative. De nombreuses recherches ont été menées sous l’égide des marques, toutefois très peu l’ont été du point de vue des artistes contemporains. À travers l’identification d’une portion d’artistes ayant développé des relations avec des marques, nous proposons d’apporter un regard sur la proportion d’artistes ayant recours aux collaborations. Nous présentons un raisonnement de conception d’un processus de collaboration qui apporte un éclairage sur les apports de chacune des parties prenantes. This study explores the relationship between contemporary artists and brands, highlighting the connections between the two, particularly through the lens of the artistic sphere and its role in collaborative creative processes. Numerous studies have been carried out under the aegis of brands, but only a very small proportion of them from the perspective of contemporary artists. By identifying the small share of artists who have developed relationships with brands, we propose to provide an insight into the proportion of artists who engage in collaboration. We present a design reasoning of a collaborative process that sheds light on the contributions of each stakeholder. jeu., 14 déc. 2023 15:22:20 +0100 mer., 27 mars 2024 17:12:43 +0100 http://revues-msh.uca.fr/kairos/index.php?id=789